Hago que leo

PIERO MANZONI
DIMENSIÓN LIBRE.
La verificación de condiciones nuevas, el planteamiento de nuevos problemas, implican junto a la necesidad de nuevas soluciones, nuevos métodos, nuevas medidas. No nos apartamos de la tierra corriendo o saltando, para ello hacen falta alas, las modificaciones no son suficientes, la transformación ha de ser integral.
Por esto mismo, no consigo entender a los pintores que aunque dicen estar interesados en los problemas modernos, se sitúan aún hoy, frente al cuadro como si éste fuera una superficie que tuviera que ser rellenada de colores y formas, siguiendo un gusto más o menos sensible, más o menos atento. Esbozan un trazo, retroceden, contemplan el trabajo realizado inclinando la cabeza y guiñando un ojo, luego avanzan nuevamente para añadir otro trazo, otro color de la paleta, y continuar con esta gimnasia hasta llenar el cuadro, hasta que el lienzo esté recubierto. El cuadro está concluido, una superficie de posibilidades ilimitadas ha sido reducida a una especie de recipiente en el que se han forzado y comprimido colores no naturales y significados artificiales. ¿Por qué no vaciar, en cambio, este recipiente? ¿por qúe no liberar esta superficie? ¿por qué no intentar descubrir el significado ilimitado de un espacio total, de una luz pura y absoluta?
… ¿por qué preocuparse de cómo situar una línea en el espacio?, ¿por qué establecer un espacio, por qué estas limitaciones?… también son inútiles aquí todos los problemas de color, toda cuestión sobre la relación cromática… No hay nada que decir, sólo hay que ser, sólo hay que vivir.

ENCUESTA SOBRE LA PINTURA
Pregunta: “En los últimos diez años la pintura ha sufrido cambios sustanciales. Esta modificación ¿conduce, a su modo de ver, a la muerte de la pintura o hacia una nueva forma de lenguaje?”
Respuesta de Piero Manzoni: “Una vez que un periodo cultural ha llegado a ser estéril en todas sus formas y pensamientos (incluida la pintura), otro se abre (con el inicio del siglo). No sólo ha nacido un nuevo lenguaje, toda nuestra cultura ha cambiado (y no se trata únicamente de mirar de manera diferente: se ven otras cosas). La pintura y los problemas pictóricos (últimos residuos post-románticos) no forman parte del ciclo cultural moderno: han muerto desde hace tiempo (donde sobreviven, lo hacen como “mala literatura”). Retoques y modificaciones no son suficientes: forman parte del pasado, un nuevo lenguaje y una transformación total no puede tener que ver con el viejo lenguaje, un artista sólo puede utilizar materiales (pensamientos y formas) de su propia época”.

LAS AURAS FRÍAS. José Luis Brea
“¿Cuál podría ser el futuro de la pintura? Ninguno. Ninguno que no sea -quiero decir, siga siendo- su extinción, su superación. La pintura no tiene porvenir, y no podría ser de otro modo… Estamos afirmando, sin ambigüedades, que la pintura no tiene ningún futuro -es cierto que tiene mucho pasado y que algunos reaccionarios se apresuran a ver en ese pasado su único futuro- que no traspase la enunciación estratégica de la forma de su desaparición”

YO TRABAJO COMO UN HORTELANO. Miró
“Soy de natural trágico y taciturno. En mi juventud, pasé por períodos de profunda tristeza. Ahora soy bastante equilibrado, pero todo me disgusta: la vida me parece absurda. No es el razonamiento el que así me la muestra; la siento de este modo, soy pesimista. Pienso que todo va a cambiar siempre para mal.”… “Cuando una tela no me satisface, experimento un malestar físico, como si estuviera enfermo, como si el corazón me funcionara mal, como si no pudiera respirar, como si me ahogase.”

EL CUADRO DENTRO DEL CUADRO. Julián Gallego
X. La destrucción del cuadro por el cuadro. “Actualmente hay artistas que creen acceder a las cumbres del genio porque rechazan esa convención de reducir el universo a un rectángulo. Frank Stella, en lugar de rectángulo, usa un bastidor trapezoidal o irregular; no deja de ser otra convención. Es como si, hartos de decirnos Buenos días cada mañana, dicedierámos decir Mañana feliz o Taratatá… El hecho del saludo seguiría existiendo, la fórmula es breve y cómoda, ¿para qué cambiarla autoritariamente? Ello no impide que quien quiera, quien por necesidad tenga que expresar algo que no se aviene, de ningún modo, a esas dos dimensiones rectangulares, pueda emplear tres (o las que quiera). Aunque es curioso que las necesidades no suelen presentarse aisladamente.

¿QUÉ ES LA PINTURA? Julian Bell
La explicación clásica de qué se considera excelencia en la pintura se encuentra en el relato griego de los adversarios Zeuxix y Parasito. Zeuxis pintaba uvas tan realistas que los pájaros intentaban picotearlas; pero cuando quiso ver una obra de Parasito, él mismo cayó en el engaño: la cortina que intentó levantar resultó ser la pintura.
Sin embargo, no está de más juntar que tendemos a pensar que mostrar tiene más fuerte que contar. «Bien, eso es lo que usted me cuenta; pero ¿cómo puede demostrarlo?», es la pregunta que subyace tras todo interrogatorio. Lo que se muestra será la verdad, sostiene esta suposición; lo que es meramente contado podría ser falso. Etimológicamente, «evidencia» es “lo que procede de la vista”, frente a lo que simplemente sabemos «de oídas».
Tú -eso es lo fundamental- no puedes determinar cómo miro yo. Y de ahí que la pintura, en la medida en que no es transmisión mecánica, no es comunicación*.
Cuando se le preguntó en 1950 al héroe mítico del episodio, Jackson Pollock, que debía «buscar» el espectador lego en su pintura, respondió con el mismo énfasis: «No creo que deban buscar, sino mirar pasivamente […] Debe disfrutarse igual que se disfruta la música»
En eso consiste el placer de utilizar herramientas y materiales: nos sorprenden por su diferencia con el pensamiento; ahí radica su juego, su diversión; ésa es el área de la indeterminación, del significado incompleto, que comparten con el mercado/ parque de atracciones

ARTE Y OBJETUALIDAD. ENSAYOS RE RESEÑAS. Michael Fried
En realidad, mi entusiasmo por Hans Hormann se basaba, fundamentalmente, en lo que percibí como una habilidad para liberarse de ese tratamiento de la pintura y del color que resultaba ser incurablemente rancio o sentimental, así como en sus especiales dotes para resolver los problemas pictóricos por medios artísticamente satisfactorios, sin caer por ello en el absolutismo formal.
La figura como forma: los polígonos irregulares de Stella. “un intenso anhelo de simplicidad. A la gente le gustaría decir: los colores es lo único que realmente importa. Uno dice esto, principalmente,porque quiere que éste sea el caso. Si tu explicación es complicada, resulta desagradable, especialmente, si no tienes fuertes sentimientos hacia la cosa misma” Ludwig Wittgenstein
No obstante, no se puede remarcar con demasiada fuerza que el principal interés de Noland a lo largo de su carrera haya sido el color -más bien, el sentimiento por medio del color-.. Esto no equivale a decir que el colorismo de Noland haya tenido que defenderse a sí mismo frente a su necesaria vinculación a los aspectos estructurales. Por el contrario, es su profundo y apasionado compromiso con el hecho de hacer del color el principal responsable de la pintura, lo que le ha impulsado a descubrir estructuras en las que la figura del marco sea lo suficientemente clara y explícita como para resultar convincente.

ON PAINTING. PRACTICAS PICTÓRICAS ACTUALES..
Llegados a este punto podríamos, naturalmente, recordar el problema que John Cage describiera con tanta elocuencia a Philip Gusto: “en tu estudio tienes a todo el mundo -el pasado, tus amigos, tus enemigos, el mundo del arte y, sobre todo, tus propias ideas-; todos están ahí” Ese es el pueblo. Pero hará falta más tiempo incluso, mucho más. Cage prosigue: “Pero tú sigues pintando y ellos empiezan, uno a uno, a marcharse y acabas quedándote totalmente solo. Entonces, con algo de suerte, hasta tú te vas.” 

LA PINTURA MODERNA Y OTROS ENSAYOS. Clement Greenberg
Vanguardia y kitsch. “Donde hay vanguardia por regla general encontramos también retaguardia”
Cézanne y la unidad del arte moderno. “Se ha de ser un pintor por las mismas cualidades de la pintura, se han de usar materiales baratos”
Pintura de tipo americano. La nueva pintura (la escultura es otra cosa) aún provoca escándalo en una época en que desde hace tiempo ninguna novedad en literatura o música suscita un recibimiento similar.. La vanguardia sobrevive en la pintura porque ésta aún no ha alcanzado el punto de modernización en el que las convenciones heredadas, para seguir siendo un arte viable han  dejado de existir.
Para producir un arte importante es necesario, como principio, haber asimilado el arte más significativo del período precedente. Esto es verdad hoy y siempre.
.. la elegancia es demasiado obvia para tener fuerza de permanencia.
El arte “avanzado” -que hoy es como decir arte ambicioso- sigue existiendo en la medida en que pone a prueba la capacidad de la sociedad por un arte elevado. Esto se lleva a cabo mediante la exploración de los límites de las formas y los géneros heredados, así como del mismo medio.. Los límites de la pintura de caballete corren el peligro de ser destruidos, porque diversas generaciones de grandes artistas se han esforzado por expandirlos. Pero si fueran destruidos esto no significaría necesariamente la extinción del arte pictórico como tal. La pintura puede que se encuentre de camino hacia un nuevo tipo de género, no necesariamente falto de precedentes.
La revolución de los papeles pegados: El collage y su papel crucial en la evolución del cubismo_ la reconstrucción de la superficie plana del cuadro con los mismos medios de su negación.
La pintura moderna.. fue sin embargo, el subrayado de la plenitud ineluctable de la superficie del cuadro lo que resultó más que cualquier otro aspecto fundamental en el proceso por el que el arte pictórico se criticaba y se defina a sí mismo. Y ello porque sólo la plenitud era una cualidad única y exclusiva del arte pictórico.. porque como ya se ha dicho, la tridimensioníalida es el territorio de la escultura /resistencia a lo escultórico/.. las reglas y convenciones esenciales de la pintura son al mismo tiempo las condiciones limitadoras que una pintura debe atacar con el fin de ser experimentada como cuadro.
..el arte es una experiencia humana porque las condiciones limitativas del arte son de procedencia humana.. nada podría ser más ajeno al arte auténtico de nuestro tiempo que la idea de ruptura de la continuidad. El arte es -entre otras cosas- continuidad, y sin ella resulta incomprensible.

LA POÉTICA DE LO NEUTRO. Victoria Combalía
“la obra entendida como proceso, como una serie de momentos en el que no hay ni principales ni secundarios, no hay principio titubeante ni final perfecto, sino más bien un desarrollo del pensamiento en fases, todas y cada una de ellas importantes en la elaboración de una idea o tema de investigación”

GERARDO RUEDA. ESCRITOS Y CONVERSACIONES. MNCARS
1968. Es díficil explicar la obra de un artista. ¿Cuál es su intención? ¿Cúal es el resultado? ¿Cómo se ve a sí mismo? ¿Cómo le ven los demás? ¿Para qué sirve lo que hace? La contestación exacta a estas preguntas sería definitoria. Pero es imposible obtenerla con exactitud. Todo lo que se consiga, en el mejor de los caso, será aproximativo. La explicación puede darla el mismo artista, que no suele comprenderse del todo.
1973. La obra del artista se origina siempre desde un sentimiento muy íntimo y personal.
1977. El artista tiene que saber qué pinta, porque pintar es una elección. Por eso pintar es una toma de conciencia.
1986. ¿Y qué hacemos con el color? ¿No será el color la guinda de la tarta?
“en pintura lo único que vale la pena no se puede explicar con palabras”BRAQUE
1987. En el fondo, el artista, y el espectador claro está, siempre busca lo que es afín con uno mismo.
1990. Cuando un artista trata de explicar aquello que hace, no suele estar muy afortunado, tal vez porque finalmente tampoco lo sepa él mismo.
1994. Saber ver el arte es la única manera de comprender la creación artística.

MIERDA Y CATÁSTROFE. Fernando Castro
“Bien podría * haber citado a Sartre o incluso a Heidegger para que tamaña chorrada entrara por la puerta grande de ese sistema de engaño generalizado que encarna”

KASSEL NO INVITA A LA LÓGICA. Enrique Vila-Matas
“parecía una mujer básicamente feliz y me habría dado envidia si no fuera porque yo no perseguía precisamente la felicidad”

CHET BAKER PIENSA EN SU ARTE. Enrique Vila-Matas
Una casa par siempre /Rosa Schwarzer vuelve a la vida /El arte de desaparecer /El hijo del columpio /Recuerdos inventados /Porque ella no lo pidió
“Soñare la vida que temes”
“¿En cuántos lugares de este mundo (razonaba Anatol) no habrá en este instante genios ocultos cuyos pensamientos no llegarán nunca a oídos de esa gente? El mundo es para quienes nacen para consquistarlo, no para quienes prefieren pasar desapercibidos, vivir en el anonimato”
“Hay personas que siempre se encuentran bien en otro lugar”
“Es muy posible que lo inventara todo precisamente porque ella no lo pidió”
“Acuérdate de desconfiar” STENDHAL

EL TERCER UMBRAL. José Luis Brea
El net.art no pertenece a nuestro tiempo. Ha atravesado (fugazmente) nuestros días tan sólo como humilde heraldo de un tiempo por venir. Todo lo que él tenía que decir se refiere a un tiempo que vendrá.
“quién no es mejor que su vida”, escribía Michaux-, quién de nosotros no se desprendería de instantáneo de todo aquello que le da nombre, y lugar, tiempo y condicidión.
Nuevas tecnologías >> nuevas condiciones. Se trata de pensar sus potencialidades en un contexto de transformación de las sociedades contemporáneas, y de las prácticas culturales y de la acción social de ellas.
La gratuidad se generaliza, directamente proporcionada por las grandes empresas de comunicación… La consecuencia es la que hace desvanecerse el sueño de internet como comunidad de participantes/ emisores: su conversión en medio de masas y su consiguiente portalización -la saturación del espacio comunicacional del nuevo medio y su desertización por ruido (el exceso de ruido reduce la pertinencia, y es por tanto y factor reductor de la acción comunicativa)… Todo discurso o producción que escape a las corrientes principales, toda producción disensual, es segregado a las periferias y las zonas umbrías… /// Absorción institucional ///
No se trata de comunicar unos y otros contenidos, sino más bien de participar en un proyecto desarrollado entusiasta y colectivamente… “comunidad de los que no tienen comunidad”
Como decía Ulrich Beck, nada hay que se desee tanto en las sociedades actuales como -de facto, lo que más falta- el tener “una vida propia”.
El propio trabajo, la actividad que lo concreta, es en realidad el que nos produce. No existen obras de arte. Existen un trabajo y unas prácticas que podemos denominar artísticas.
En las sociedades del siglo XXI, el arte no se expondrá. Se producirá y distribuirá, se difundirá. No será ni necesario -ni casi posible- coleccionar obras de arte.

ARTS TELEMATICA. TELECOMUNICAIÓN, INTERNET Y CIBERESPACIO
¿Esta sociedad existente es buena para las personas? ¿Son estas personas buenas para esta sociedad?_ Ni existe sociedad sin personas, ni personas fuera de la sociedad.
En cuanto se empieza a tocar la interfaz y a jugar con ella, la consecuencia inevitable es la transformación del mundo entero.
¿Es posible que el sencillo sistema de boletines electrónicos (BBS) constituya la imprenta de la próxima revolución?
No hay ningún poder político, filosófico o económico tras este proyecto // sólo somos artistas // es difícil sobrevivir, pero se puede controlar // este es el lado positivo de no vender nada // Cuando tenemos dinero, llevamos a cabo el proyecto. Cuando no, planeamos el siguiente
El museo es, en cierta manera, un sistema de almacenamiento y recuperación de información cultural, y el comisario es el programa que lo maneja. Al mismo tiempo, el museo es también un nodo en una amplia red cultural que funciona en multitud de plataformas, desde las que un nodo puede considerar al programa de otro como un virus destructor. La ventaja del entorno en red es que las fronteras pueden ser sólidas y porosas simultáneamente, lo que permite la libre transmisión de información al mismo tiempo que mantiene a raya los conflictos.
¿A quién le importa quién lea?

ARTE E IDENTIDAD EN INTERNET. Gemma San Cornelio
“On the internet, nobody knows you are a dog”
Según K. Gergen, la saturación generada por las tecnologías de la comunicación ha contaminado la concepción de nosotros mismos y ha provocado lo que él denomina el “yo saturado”. Las ideas de Gergen sugieren un sujeto “habitado” por múltiples matices y perfiles, que lo fragmentan hasta extremos insospechables.
Estudios recientes han demostrado que la identidad que construimos online, en contra del paradigma posmoderno, ni es (del todo) inventada ni es tan múltiple como parecía, y sobre todo es poco anónima.
El “promocionalismo”, según Wernick, es una condición cultural dominante en la sociedad contemporánea. Un mensaje promocional es un modo de comunicación, una especie de retórica, que , aplicado a uno mismo, refleja un yo que se produce a sí mismo para la circulación competitiva.
“Who needs identity?”

SERVICIO PÚBLICO. CONVERSACIONES SOBRE FINANCIACIÓN PÚBLICA Y ARTE CONTEMPORÁNEO
YB “En la escuela la enseñanza de las artes es muy débil, así pues, cuando hay que montar un museo, se está obligado a tener una política del tipo espectáculo para el gran público, para atraer y educar al público, o simplemente para encontrar público y demostrar a los políticos que hay una necesidad de tener un museo. Hay que fabricar al público
¿Cuál ha de ser el papel de la Administración pública respecto al arte contemporáneo?... Y.M ¿Hay que pensar que las cosas pasarán o que se debe ayudar a que pasen? Y ayudar a que pasen, ¿qué significa? Significa que en un momento dado el arte se convierte también en un terreno que puede permitirnos a todos y a cada uno, a todo el mundo, ser un poco mejores.
Alfredo Jaar. Sobre el mundo del arte “ésta es fundamentalmente una sociedad del espectáculo y del entretenimiento. Y el espectáculo debe continuar” … Tendencia al recorte de la financiación pública de las artes sin vuelta atrás. Estamos ante una dinámica que no tiene freno.

LA INSTALACIÓN EN ESPAÑA 1970 -2000. Mónica Sánchez Argilés
“La adopción generalizada de la instalación como método para producir arte lleva a una  situación en la que muy pronto será la forma convencional de hacer las cosas” Michael Archer. Podríamos preguntarnos cómo el museo, dedicado a salvaguardar la tradición, ha sido, y sigue siendo, cómplice de una forma de arte que pretende superar esa tradición, negando producir artefactos mercantiles y miserables, celebra hoy su ambiente museístico.
Instalación = Instalar = Colocar = Desplegar diferentes elementos en el espacio tridimensional y en las coordenadas del tiempo.
“Mover la obra es destrozarla” Nick Kaye
“El ministerio de cultura tenía sus top.ten que desfilaron por diversas capitales europeas. Uno de los fallos más importantes fue la elaboración de un aparato crítico eficaz, equilibrado y no comprometido. La crítica hecha en la prensa española aplaudía sin más u orquestaba y fabricaba historias de un éxito instantáneo” Kevin Power
Política promocional _ obsesión por equipararse a sus colegas coetáneos y por las prisas de conectar con las últimas tendencias den circuito internacional_ proceso de banalización_ “desengaño del entusiasmo”
Una tendencia que anunciaba lo que sería la intensa proliferación de recursos híbridos de la década siguiente y el abandono definitivo de los estériles planteamientos formalistas interesados en la escificidad de las fronteras.
“… casi no existe consenso entre los artistas sobre cuáles sean las consideraciones o temas claves… Algunos están bastante comprometidos politicamente, otros ligados a la filosofía actual, y otros basan su trabajo en procesos predominantemente intuitivos”
La instalación escultórica:
_ ilusión, metáfora, simbolismo, evocación, autonomía de la belleza…
_ se recrea en la estética artesanal, lo primitivo y lo orgánico
_ precariedad
discurso más próximo a las sensibilidades minimalistas, constructivistas o geométricas
autonomía de lo individual > propia subjetividad
“Cualquier contesto social que se base en la competición, la expansión y el control de recursos -limitados- debe ser, y de hecho es, construido teniendo a la guerra como paradigma último de relaciones de poder, tanto en el nivel intelectual como en el colectivo” André Beaufre
“The Board Room muestra que la necesidad de crecer se ha convertido en materia comercial, de consumo y en materia de los media. Las palabras y promesas son la estrategia para captar la atención del público y en definitiva SU DINERO” Antoni Muntadas.
Exploración postpictórica más allá de la bidimensionalidad del cuadro iniciándose normalmente en el arte de la pintura deciden trasladar su lenguaje y concepción de la plástica al espacio tridimensional de la instalación CAMBIO DE RUMBO_ “Soy pintor, he querido pasar mi pintura a un espacio tridimensional, me sentía incómodo en el tradicional espacio bidimensional” Carles Pujol

CONSIDERACIONES DISCONTINUAS Y OTRAS CONVERSACIONES. Fernando Sinaga
“Llevo la nada en mí mismo como negación”
“…Timothy Clark llamó prácticas de negación, esto es, aquel travestimiento del proceso creativo en el que llegaba a una defensa de la torpeza deliberada y, por supuesto, a una celebración de lo insignificante”
“el arte está embarcado en un raro funeral sin cadáver”
“…del arte como resistencia”
” su obra es, más que nada, una poética: un trabajo que no busca un estilo férreo y que, por tanto, no tiene miedo a resultar algo disperso”
“Aristóteles reveló que el accidente revela la sustancia”
“Cualquier intento por construir imágenes es algo que siempre desborda nuestra comprensión”
“incluso en el montón de basuras, late una honda verdad”

LA SOCIEDAD DEL ESPECTACULO. Guy Debord 
“En el mundo realmente invertido, lo verdadero es un momento de lo falso”
“En el espectáculo, imagen de la economía reinante, el fin no es nada y el desarrollo lo es todo. El espectáculo no conduce a ninguna parte salvo a sí mismo”… “El espectáculo somete a los hombres”… “El espectáculo constituye la producción concreta de la alienación en la sociedad”… “El espectáculo es la falsa conciencia del tiempo”
“La teoría revolucionaria es ahora enemiga de toda ideología revolucionaria, Y SABE QUE LO ES”
“Bajo las aparentes modas, que se anulan y recomponen en la fútil superficie del tiempo seudocíclico contemplativo, el gran estilo de la época reside siempre en aquello que se orienta por la secreta y evidente necesidad de la revolución”
“Dado que esta sociedad modela todo su entorno… El urbanismo es la conquista del entorno natural y humano por parte del capitalismo que, reconstruye la fatalidad del espacio como su propio decorado”… “El momento actual es ya el de la autodestrucción del medio urbano. La explosión de las ciudades sobre el campo, (cubierto de masas amorfas de residuos urbanos, Lewis Mumford) está presidida por los imperativos inmediatos del consumo”

IMI KNOEBEL
“Expedición por el espacio de la pintura y de la escultura y, MÁS ALLÁ DE ELLO… Nos encontramos enfrentados a una obra que se mueve de forma natural y segura en un amplio arco de tensión entre los conceptos de la pintura, de los objetos y de la escultura”
“La pieza, como problemática pictórica, busca cada vez penetrar de nuevo de forma plástica en el espacio real, mientras tiende al mismo tiempo a incluir y perfilar la idea del espacio en el sentido del espacio pictórico”
“Junto al orden que da la estabilidad del espacio real, aparece el sentido de lo efímero”
“Siembre participamos en las fiestas, sí, siempre estábamos ahí…”

EL ABUSO DE LA BELLEZA. Arthur C.Danto
>> ¿Merece el mundo la belleza? _

DANIEL BUREN. LA POSTPINTURA EN EL CAMPO EXPANDIDO. Javier Hernando Carrasco
“…el relevo sería tomado por otros artistas que de un modo decidido convertirían la pintura en objeto, enfatizarían su valor tautológico, eliminarían cualquier atisbo persona y la configurarían como una cosa bidimensionale”, por utilizar la expresión de Francesco Poli, dejando casi siempre a la vista el proceso de realización, trabado a partir de la geometría…”
“Aquello que ve es aquello que ve” Frank Stella
“…el artista se autoimponía la enorme exigencia de repetir la composición hasta el infinito, renunciando a lo que parece ser el motor de la creación artística: la permanente transformación de la forma
La escena artística parisina de los 60 estaba dominada por la Abstracción Lírica “ Buren se situaba al margen de todos aquellos parámetros. Y no sólo a la concepción de la obra artística, sino a la idea misma de creación, a la toma de posición política y sobre todo a la crítica de la institución del arte”
BMPT: Buren, Mosset, Parmentier y Toroni
Rechazo frontal a los principios sobre los que continuaba basándose la pintura… nosotros no somos pintores > Conducir la pintura a su grado cero > Abandono de la práctica tradicional de la pintura en términos formales y conceptuales > Pintura en el campo expandido
“Su propuesta apunta a la activación del lugar y en no pocas ocasiones la lectura crítica del mismo” – carácter efímero – elaboración en situ – búsqueda de lo anónimo
“Exposición de una exposición, en el que denunciaba el protagonismo del comisario, considerando que éste convierte al artista en un instrumento al servicio de su acción transformada en artística, o sea el comisario como artista… Cada vez más a menudo el protagonista de una exposición tiende a ser no la exposición de las obras de arte, si no la exposición como obra de arte”
“El color es pensamiento puro” Daniel Buren
“…carga de significado los lugares donde se inserta, negando, a priori, el carácter autónomo del objeto artístico. Y en este punto establece una crítica explícita al museo, al considerar que es un lugar artificial que aísla las obras de arte de la realidad para sostener aquella autonomía, en tanto que n el espacio público, se enfrenta a la realidad, se hace patente su interdependencia.”

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